Делимся шпаргалкой по основным стилям европейского искусства, чтобы вы научились легко отличать разные эпохи.
VTBRussia.ru предлагает вашему вниманию статью-шпаргалку по основным стилям европейского искусства, которая поможет чувствовать себя комфортно в любом, даже самом заумно организованном музее мира. Первая часть — от Средневековья до начала XIX века.
Все начиналось с Рима
Если вспомнить любой крупный музей мира, то первые залы европейского искусства практически всегда посвящены произведениям на религиозные сюжеты и романскому стилю. Начиная с X века (и вплоть до XII) главной темой, которая увлекала жителей Европы, было осознание истории и ценностей христианской религии. Отсюда и такой интерес к образам святых, евангелистам и мученикам (термин «романика» произошел от слова «Рим», ведь именно Вечный город был одним из главных центров распространения христианской религии). Логично, что такое искусство создавалось либо в храмах, где художники писали фрески, либо в монастырях, где монахи иллюстрировали книги и манускрипты.
Что касается визуальной части — искусство этого периода отличают выразительность линий при отсутствии объема и перспективы, большое количество цветочных орнаментов и ярких цветов (краски в это время создавались из природных материалов, а главным связующим веществом был яичный желток).
Кажущаяся простота изображений не должна смущать, ведь главной целью Романского искусства было просветительство — пропаганда христианских ценностей среди населения Европы, которое в массе своей не умело даже читать.
Что интересно, сам термин (романский стиль) появился в начале XIX века, когда возникла необходимость структурировать историю средневекового искусства. Его автором считается Арсисс де Комон, французский антиквар и археолог.
Таинственная готика
Считается, что переход от романского стиля к готическому произошел в конце XII — начале XIII века. Родиной готики принято считать Францию — в течение нескольких веков она распространилась почти по всем странам Центральной и Западной Европы. Пожалуй, главное достижение этой эпохи — монументальная архитектура готических соборов. Они стали главной достопримечательностью средневековых городов, а на их создание были брошены усилия целых поколений горожан. Любопытно, что фресок в готических соборах практически не было (за редким исключением). Однако художникам тоже нашлась работа. Главным видом изобразительного искусства этой эпохи стал витраж.
Внутри готического собора нас одолевают мистические переживания. Всему виною лучи света, проникающие через витражи и создающие ощущение «божественного свечения». Собственно, ради этого эффекта все и делалось. Размеры «узоров из цветного стекла» в готических соборах достигали колоссальных размеров — например, диаметр так называемого круглого окна розы в соборе Нотр-Дам де Пари составляет более 12 метров.
Стоит заметить, что религиозные мотивы в готике все еще преобладали над светскими, однако наряду с изображениями библейских сюжетов стали появляться работы на бытовые темы, скажем, сцены сбора урожая, охоты и отдыха на природе.
Возрождение и пугающий маньеризм
Во второй половине XIII века в европейском искусстве происходит революция, наступает эпоха полного переосмысления человеком самого себя: отныне он чувствует себя «универсальной личностью», перед которой нет преград. И мастерски доказывает это на деле. Так, знаменитый флорентинец Леонардо да Винчи был не только художником, но и скульптором, архитектором, музыкантом, писателем и изобретателем. Логичным развитием изобразительного искусства в таких условиях стало появление портретов. Теперь человек рассуждает так: раз он создан Богом, значит, достоин того, чтобы быть изображенным. Другой важнейшей особенностью эпохи Возрождения является [проснувшийся спустя многие столетия] интерес к античности — с ее подходом к красоте человеческого тела, философии и мифологии.
Все эти идеи развиваются постепенно — в течение трех столетий. Сначала — в эпоху так называемого Проторенессанса (дученто), когда еще сильны религиозные традиции и преобладает тяготение к плоскостному изображению. Ключевой фигурой в живописи этого периода становится Джотто, который впервые задался целью реалистичного изображения сцен из бытия Христа и святых.
В начале XV века на смену Проторенессансу пришло Раннее Возрождение (треченто), ярчайшим представителем которого является флорентиец Сандро Боттичелли, прославившийся своими образами мифологических героев античной эпохи («Рождение Венеры», «Венера и Марс») и картинами на религиозные сюжеты («Поклонение волхвов», «Призвание Моисея»). Самой загадочной работой мастера считается картина «Весна», споры о смысле которой не утихают и по сей день. В этом полотне чувствуется влияние античного искусства, хорошее знание классической скульптуры или зарисовок с нее. Согласно легенде, на создание этой картины Боттичелли вдохновил фрагмент из поэмы Лукреция «О природе вещей»:
Вот и Весна, и Венера идёт, и Венеры крылатый
Вестник грядёт впереди, и, Зефиру вослед, перед ними
Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая,
Красками всё наполняет и запахом сладким…
Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем
Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный
Стелет цветочный ковёр, улыбаются волны морские,
И небосвода лазурь сияет разлившимся светом.
Ну а далее пришло время «титанов Возрождения», имена которых знакомы нам с детства, — Леонардо, Микеланджело и Рафаэля. Творчество этих живописцев объединено периодом Высокого Возрождения (кватроченто, конец XV века — середина XVI века). «Титаны» с одной стороны, опирались на ценности прошлого, а с другой — привнесли в искусство новые идеи. Их работы совершенны, в них продумано все до мелочей — от композиционных решений до деталей и символов. Ярчайшие примеры работ данного периода — Станцы Рафаэля и Сикстинская капелла Микеланджело в Ватикане.
Расцвет Позднего Возрождения (чинквеченто, середина — конец XVI века) происходил в Венеции, где живописцами Тицианом и Джорджоне была достигнута небывалая красота — художники добились невероятных переходов цвета и тени при изображении оттенков кожи человека. Люди на картинах этих мастеров были словно живыми, что для той поры было настоящий прорывом.
Закат эпохи Возрождения был постепенным, но отправной точкой послужил страшный для Вечного города день — 6 мая 1527 года, когда войска испанского короля Карла V вторглись и разграбили Рим. Искусство не могло видоизмениться в один день, однако ценности трансформировались. Вместо стремления к совершенству и безусловной красоте в моду вошел так называемый маньеризм. Художники экспериментировали над формой в ущерб содержанию, создавая тревожные образы. Яркий пример маньеризма — работа итальянского художника Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей» (1535 год).
Витиеватое барокко
Эмоциональная напряженность, которой наполнил живопись маньеризм, перешла и в XVII век, но уже в формате нового стиля — барокко (что в переводе с итальянского означает «причудливый», «странный»). Отправной точкой барокко принято считать творчество художника Караваджо, которого современники называли «гениальным чудовищем». Гениальным — за его мастерство в изображении переходов света и тени, чудовищем — за незаконопослушный, разгильдяйский образ жизни (в результате драки он убил человека) и смелую реалистичность в творчестве.
В эту эпоху впервые в истории формируется рынок искусства, живопись становится доступной среднему классу. Отсюда — появление новых жанров (таких, например, как натюрморт), развитие бытового жанра и уменьшение формата картин, которые теперь могут выполнять роль украшения жилища (вспомним произведения «малых голландцев» — Яна Вермеера, Питера де Хоха, Яна Стена и других).
С другой стороны — барокко продолжает идеи эпохи Возрождения в монументальных фресках церквей и аллегорических сюжетах, украшающих потолки итальянский палаццо. Но меняется характер изображений — теперь в них много эмоциональности, чувственности, движения и пафоса. Художники активно используют яркие цвета, один из любимых оттенков — торжественный красный, много золота. Роскошные парадные портреты выписаны с максимальной точностью и детализацией — можно различить текстуры тканей, металлов, украшений и даже вышивок.
Человек на портрете эпохи барокко отличается от «идеальных образов», созданных во время культа античности. Художники становятся настоящими психологами, стараются заглянуть в душу человека — и увидеть не только его добродетели, но и пороки, которые бескомпромиссно обличают. Один из главных шедевров барокко — портрет Папы Иннокентия X кисти Диего Веласкеса (1650 год). Другими «звездами барокко» по праву считаются Рембрандт, Рубенс, Антонис ван Дейк и Пьетро да Картона.
Игривое рококо
Рококо (от французского слова «rocaille» —скальный) появился на свет в XVIII веке во Франции — в богемной среде короля Людовика XV — и стал куда более причудливым стилем, чем барокко. Рококо был одновременно и логическим результатом его развития, и художественным антиподом. В живописи он, по сути, отражал жизнь и ценности галантного общества того времени (кстати, термин «галантный» появился именно в эту эпоху — как характеристика «высшего света»).
Главные сюжеты рококо в живописи совершенно беззаботны и буржуазны (психологизм барокко забыт и предан анафеме) — это прогулки в парках, театральные представления, свидания, поцелуи украдкой, прихорашивания прекрасных дам перед зеркалом и наивные пасторальные сценки. Все это написано в самых нежных пастельных тонах, причем многие цвета имели свои уникальные (и крайне причудливые) названия. Так, благодаря эпохе рококо мы знаем о существовании «цвета бедра испуганной нимфы», «цвета розы в молоке» и «цвета брюшка блохи в молочной лихорадке». Любимыми художниками галантного общества стали Антуан Ватто, Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше.
Строгий классицизм
Шалости эпохи рококо не могли продолжаться вечно. Увы, конец их был трагичен. Произошла Великая французская революция, в результате которой королю Франции Людовику XVI отрубили голову. Для поддержки новой политической линии и лично Наполеона Бонапарта было необходимо новое искусство.
Таким искусством стал классицизм (XVII — начало XIX века), который, по сути, является «вторым кругом эпохи Возрождения». Его особые приметы: культ античных сюжетов и героев, их подвигов и красота человеческого тела. Согласитесь, намного проще пропагандировать политику Наполеона через образы сильных и смелых Горациев и Куриациев, чем галантных персонажей в напудренных париках. Главными художниками этой поры называют Давида и Энгра, в их произведениях заметно подражание мастерам эпохи Возрождения. Например, Рафаэлю (достаточно сравнить «Апофеоз Гомера» Энгра и «Афинскую школу» Рафаэля).
Слабой стороной классицизма было то, что художники, по сути, не могли выражать самих себя. В Академии изящных искусств Парижа их с утра до вечера учили перерисовывать античные скульптуры согласно принятым нормам. Любое новаторство не только не поощрялось, но и резко порицалось, что создавало атмосферу, несовместимую с познанием чего-то нового и свободным творчеством. В итоге это привело к кризису и выделению из классицизм новых, куда более свободолюбивых направлений живописи.
Еще больше интересных историй читайте на vtbrussia.ru!
|
